Give me the Funk

Dès le générique, composé par DJ Abdel, on est plongé dans l’ambiance. Avant même de voir le duo, on découvre leur moyen de locomotion: une magnifique Pontiac Firebird Trans-Am de 1971¹ qui saute dans les pentes de SF. Premier plan à l’intérieur: on voit les mains de Dick sur le volant, couvert de fourrure, et une paire de dés, en fourrure aussi, accrochée au rétro. Enfin, nos héros sortent de leur bolide, prêts à intervenir. Ace porte une afro et une cravate, tandis que Dick est reconnaissable à ses lunettes toujours vissées sur sa tête, et sa bolo tie. Le reste du générique alterne entre les autres personnages de la série, et des scènes de danse de nos héros au Boogie Palace, le lieu de rendez-vous de tous ceux qui sont prêts à déhancher leur corps. Avec toute cette danse, on se demanderait presque s’ils auront le temps de faire des enquêtes…

La série fait le choix de ne pas répondre à cette question: nos héros seront compétents (ou non) selon ce que le scénario réclame. Ils pourront donc être au coeur de l’enquête et totalement investis, ou complètement ignorants des crimes qui se trament autour d’eux, mais vont quand même les résoudre. Il en va de même pour le duo d’enquêteurs qui leur sert de rivaux, deux gros bras en costards noirs qui se rêvent en futures recrues du FBI: ils seront capables d’être la voix de la raison d’une enquête, aussi bien que des abrutis finis à la pisse qui font tout capoter.

J’en avais déjà parlé dans un autre contexte: je déteste qu’un média refuse de décider de son niveau de lecture et les mélange selon sa volonté, sans que le spectateur sache vraiment à quoi s’attendre.

You know my Funk

Je soupçonne que cette double-lecture provienne des scénarios de la série, qui alternent entre idées à peu près originales, hommages aux films de blaxploitation, et juste hommages tout court. Nos deux héros deviennent donc des “supports” qu’il faudra plus ou moins adapter chaque semaine selon le scénario dans lequel ils seront propulsés.

Même si les références principales sont Starsky et Hutch (pour le personnage de Dick, et le duo), et Shaft (pour le personnage de Ace), on retrouvera donc des criminels fringués comme les bons vieux pimp à gros manteaux de fourrures, une mafia chinoise qui décore ses bureaux comme la 37e chambre de Shaolin, une mafia italienne bien macho,… Tous les genres s’y retrouvent dans un gloubi-boulga très jouissif.

Mention spéciale à un épisode intitulé “22” qui parodie la série 24 et se déroule en 22 minutes en temps réel. C’est un concept vraiment unique, très couillu, et créatif: je ne peux que m’incliner et reconnaître la maîtrise.

One more Funk

Je ne le savais pas avant récemment, mais il existait une seconde saison de cette série. Elle ne change vraiment le concept que sur un point: nos héros sont enfin accompagnés par un personnage féminin, au rôle assez étrange. Étant la seule² femme de la série, elle ne peut pas être présentée comme aussi incompétente que nos héros, et sera plutôt leur sorte de garde-fou, sans jamais entrer dans le rôle de love interest de qui que ce soit. Le scénario fera tout de même des efforts pour la “dérider” et lui donner de la profondeur, plutôt que d’en faire une pisse-froid qui ne sait qu’obéir aux ordres, notamment en révélant que même si elle ne partage pas le goût de notre duo pour la danse, elle était chanteuse de funk avant d’être flic!

Même si cette vision des buddy movies des 70’s est clairement édulcorée, et que les combats se règlent généralement avec du kung-fu fighting, ou des excuses de scénario, plutôt qu’avec le Smith & Wesson Model 29 démesuré de Dick³, le plaisir de baigner dans cette ambiance et ces références ne s’épuise jamais. Avec en bonus, des références à foison pour les habitués du genre.

Malheureusement, sur un Pentium II, même avec la meilleure volonté du monde, il était impossible de faire tourner ces jeux à une vitesse correcte. Mais l’un d’eux avait attiré mon attention: jeu de lancement au Japon, et troisième jeu de la console à être dumpé en ROM, il faudrait attendre huit mois de plus pour que sorte une version jouable en anglais, et que je puisse y jouer à seulement quelques images par seconde avant de laisser tomber.

Mais j’ai beaucoup d’amour pour la franchise Mega Man. Je l’ai découverte avec les cinq épisodes sortis sur Super Nintendo, et le concept de la série à base de “saute à travers ce niveau, bute ce boss, gagne son pouvoir, puis va t’en servir pour péter un autre boss (sur qui ce pouvoir aura des effets critiques)” était toujours sympa à re-découvrir. Alors j’avais envie de découvrir cette nouvelle série…

Branche-toi!

Il y a un meme que j’aime bien et qui ironise sur l’idée que les jeux vidéo sont soit des jeux de menu, soit des jeux de parkour. L’idée est qu’un jeu nécessitera soit d’effectuer des actions dans un ordre précis (“menu”), soit d’accomplir des actions dans un timing précis (“parkour”). Et bien figurez-vous que ce changement de série illustre totalement ce meme!

Dans la série originale, puis sa série dérivée Mega Man X, le gameplay est exigeant: le personnage a un saut…pitoyable, beaucoup d’obstacles détruisent votre robot si vous avez le malheur de les toucher, et les boss ont des patterns impitoyables. Il faut donc être prêt à torturer sa manette pour maîtriser la suite de l’aventure.

Dans Mega Man Battle Network, on oublie tout ça. De l’univers cyberpunk défaitiste de la seconde série, on est à présent dans une espèce de futur utopique parfait: tout le monde a un ordi virtuel portable (un PET) habité par un assistant IA personnel (un NetNavi), on se balade dans les réseaux informatiques à la manière de ceux décrits dans le film Tron, tout est connecté, et des criminels peuvent se connecter au four de votre cuisine, à la sécurité de l’école de vos enfants, à la centrale d’épuration d’eau, ou aux feux de croisement du quartier d’à côté,…

Pour y parer, pas d’antivirus, pas vraiment de pare-feux efficaces, pas de “débranchez votre device du réseau”,… La solution, c’est de brancher son PET et d’envoyer son NetNavi se battre.

Entre en scène notre héros, Lan Hikari, onze ans, un écolier dont le compagnon NetNavi est MegaMan.EXE. Le fait que son père ait inventé ces technologies² explique sûrement cette spécificité, et sa capacité à devenir le NetNavi le plus fort…

Avez-vous déjà vu…?

Ainsi, s’inspirant des robots de la série originale, la NetNavi de son amie d’enfance est Roll.EXE³, tandis que ses camarades de classe ont GutsMan.EXE et Glide.EXE. Lorsque je pense à ces robots aux designs renouvelés, je fais deux parallèles. D’une part, Pokémon, pour cet effet de “collection”, à vouloir retrouver les bêtes/robots que l’on connaît. D’autre part, les univers Ultimate de Marvel et Absolute de DC: ces deux univers réinventent des personnages et concepts très connus des comics de super-héros, pour leur donner une nouvelle vie, un nouveau sens,… Je ressens encore plus fortement le rapport avec l’univers Absolute: le mois dernier, Absolute Batman a enfin introduit sa version du personnage de Robin, un évènement fortement attendu par les lecteurs qui voulaient découvrir la nouvelle vision de ce personnage emblématique de la mythologie de Batman.

Et bien figurez-vous que le même phénomène est à l’oeuvre ici: avant même de jouer à ce jeu, j’avais déjà admiré le design de ProtoMan.EXE, nouvelle version de Proto Man, et je cherchais des images de Bass.EXE, nouvelle version du rival cool, et surtout, de Zero.EXE, qui serait l’évolution logique du robot le plus cool du monde⁴.

Bien sûr, tous ne sont pas disponibles dès ce premier jeu. Et les suites vont même user du principe de Pokémon: un seul jeu, mais deux cartouches différentes…

Des menus dans des cases

Même en 2026, sur un Macbook Pro totalement pimpé, capable de faire tourner Death Stranding en 4K, le jeu reste lent. On oublie les plate-formes, désormais, on est dans un RPG, en vue isométrique. Et c’est l’enfer: les déplacements sont lents, et les “donjons” sont des espèces de labyrinthes peu inspirés, à l’esthétique répétitive où il sera facile de se perdre sans carte, sans parler d’une fréquence de combats aléatoires très élevée et très fatigante.

Mais avant que l’agacement ne s’empare de moi, et que je ne cherche des cheats pour one-shot tout ce qui bouge, il s’avère que le système de combat est totalement novateur, et très sympa à prendre en main.

Lorsqu’un combat s’engage, MegaMan.EXE et le(s) ennemis se retrouvent sur une grille: trois lignes, six colonnes. Les trois de gauche sont votre camp, et les trois de droite sont celles du camp adverse. Chacun peut se déplacer à volonté et sans limites sur les cases de son camp afin d’éviter les attaques ennemies, ou se mettre en place pour préparer une attaque. Pour attaquer, il faudra envoyer des attaques à votre NetNavi pour qu’il puisse les utiliser. Celles-ci se présentent sous la forme de chips (des puces informatiques!) et arrivent par cinq. Petite particularité du réseau dans ce monde: vous ne pouvez envoyer que des chips qui sont liés par leur type, ou leur lettre de série. Par exemple: deux Buster Shot A et un Buster Shot B pour tirer sur vos adversaires, ou bien un Steal Column S suivi d’un Sword S pour empiéter sur la zone de vos adversaires, avant de vous rapprocher et les attaquer à l’épée. Il existe aussi des combos plus complexes (et plus puissants) qui ne sont pas vraiment secrets et que l’on vous dévoilera vite si vous prenez le temps de converser avec les PNJs du jeu.

C’est à la fois très simple, et étonnamment profond une fois maîtrisé. De plus, toujours dans une vibe Pokémon, les chips sont au nombre de 176, et les attraper tous(TM) relèvera de la corvée, mais permettra à un joueur créatif d’enchaîner des combos très intéressants, tant les effets sont variés: attaquer avec des pistolets, des épées, des grenades, se défendre avec des boucliers, poser des mines sur le terrain adverse, ou l’inonder d’une vague, ou de flammes qui se baladeront au hasard. Même si j’ai personnellement suivi la logique du “la meilleure défense c’est d’attaquer à balle”, l’achievement qui m’a demandé d’obtenir TOUS les chips m’a permis de tous les découvrir et de lire leurs effets très variés.

En 2023, le jeu est ressorti dans une collection de tous les jeux de la série. Apparemment, celle-ci n’inclut pas d’option de fast-forward. Si vous voulez découvrir cet OVNI étrange mais très intéressant, préférez jouer sur un émulateur qui vous permettra d’accélérer vos déplacements.

Depuis peu, j’ai sombré dans la drogue des RetroAchievements, qui sont pratiques pour me donner des sortes de “directions” pour jouer à des jeux lorsque je fais une pause entre deux séances d’écriture de code. Et parmi elles, j’ai donc relancé ce monument afin d’en récupérer tous les achievements.

Out of This World

Vu qu’il existait déjà un soap opera portant ce nom¹, l’éditeur de l’époque choisit de renommer le jeu Out of This World, ce qui sera donc le nom de cette version sur Super Nintendo. En dehors de ce titre inattendu pour le joueur européen, il diffère peu des autres versions: le port de Rebecca Heineman a “juste” consisté à traduire le code de l’interpréteur, du code assembleur 68K original vers le 65C816² de la SNES (qui était aussi le processeur de l’Apple IIGS sur lequel elle travaillait, comme quoi!). Un processus qui n’aura pris que 2-3 semaines, et sera surtout ralenti par la “sympathie” de Nintendo envers les petits développeurs/éditeurs étrangers…

Du fait de la résolution inférieure de la console de salon, celle-ci est bien plus pixelisée, mais au final, le gameplay reste le même.

Press X to win

Je n’ai jamais eu d’Amiga, donc je n’ai aucune idée des contrôles des jeux. Sur PC, je garde le souvenir des flèches de direction et des touches Ctrl, Space, Alt., Esc,.. La manette de la SNES est bien plus standardisée avec son pad directionnel et ses six boutons, ce qui relève du luxe: comme Prince of Persia, dont il s’inspire, le jeu n’inclut que deux actions: un saut, et une action.

Mais contrairement à cet aîné que l’on pourrait l’accuser de plagier, le chef-d’oeuvre d’Éric Chahi ne se limite pas à ces vues de côté et donne au genre l’une de ses futures caractéristiques: la cinématographie.

Avant même de jouer au jeu, juste en voyant l'intro du jeu, les joueurs de 1991 (dont j’ai fait partie) ont subi le même shoot dans les yeux que ceux qui ont découvert la cinématique d’intro de Final Fantasy VII en 1997. Imaginez un peu: notre héros, Lester Chaykin, un chercheur en physique des particules, arrive en Ferrari à son laboratoire souterrain. Arrivé dans son bureau, son ordinateur le scanne, et commente la présence des clés de sa voiture dans ses poches. Assis devant un écran futuriste doté de profondeur, il lance l’expérience: on va accélérer des particules pour créer de l’antimatière. Et tandis qu’il savoure une (dernière) bière assis à son bureau, et que les particules s’accélèrent, la foudre tombe sur le labo, interagit avec les particules, et… désintègre totalement le bureau, ne laissant plus place qu’à un trou béant.

Je rêvais d’un autre monde

L’arrivée est brutale: le bureau, et Lester se matérialisent au milieu d’un bassin. Rien à l’écran n’indique au joueur qu’il a le contrôle, et il découvrira vite la première des nombreuses morts du jeu: attrapé par les tentacules d’animaux qui vivent au fond de ce bassin.

Car oui, dans cet autre monde, (presque) TOUT veut vous tuer: dans ce premier niveau, avant même que Lester ne découvre une trace de vie intelligente, il sera confronté à des animaux sous-marins dont on ne verra que les tentacules (qui peuvent aussi l’attraper s’il reste trop près du bassin), des limaces aux dards empoisonnés qui perceront son jean, ou une espèce de taureau aux crocs acérés.

À la fin de ce premier niveau, on découvrira une forme de vie intelligente, tout aussi peu amicale envers le joueur, et à l’architecture étrangement rustique pour une culture qui maîtrise les technologies des lasers désintégrateurs, des boucliers laser, des ascenseurs anti-gravité, une énergie analogue à l’électricité et l’éclairage,… De cette société étrange, à l’apparence humanoïde presque troglodyte, seul son compagnon de cellule l’aidera dans sa fuite, dans une relation très réaliste, qui se raconte et évolue sans dialogues.

L’aventure n’est pas longue. Un speedrun se termine en moins de dix minutes, et n’abuse que de quelques bugs. La durée viendra surtout des multiples morts du joueur qui le mèneront à recommencer certaines séquences. Parfois aussi de la difficulté à déterminer de l’ordre précis des actions à effectuer, même si le joueur bloqué trouvera forcément la solution à un moment. Afin de ne pas lasser le joueur, entre deux séquences de plate-formes, des séquences proposeront des gameplays différents: du shooting, une fuite à travers des égouts, une conduite de tank,…

Ce jeu a trente-cinq ans, et même ses versions pixelisées n’ont pas pris une ride. Clairement, un jeu auquel tout le monde doit jouer. Vous pouvez même y jouer dans votre navigateur: vous n’avez plus d’excuses.

2 Maître 2 Zodiaque

Deux ans plus tard, Esther revient en France pour le procès de Mathias, le tueur de la série précédente (qui est aussi son jumeau et plus ou moins son ex). Pour bien donner du cachet à sa nouvelle vie, la série prend quelques minutes pour qu’elle exhibe son superbe accent anglais dans le bureau du FBI, à Philadelphie. Je sais plus vraiment ce qu’elle faisait dans la première série, mais là, son expérience à lire l’horoscope a fait d’elle la meilleure consultante en “astro-criminologie” du célèbre bureau américain, et tous ses collègues ne peuvent s’empêcher de la congratuler dans ce grand open-space que l’on jurerait pompé sur une autre série¹.

Arrivée à Marseille, les ennuis pleuvent: sa mère est dead, il y a une nouvelle famille dans l’histoire², il y a même un nouveau tueur dans la nature, de nouveaux flics, et un nouveau mystère, des fois que le premier n’ait pas été assez cryptique. Mieux que ça en fait: toutes les explications (et donc les mobiles) de la première série sont réécrites.

Oubliez la vengeance! Cette fois-ci, il y a carrément une société secrète du “Zodiaque” dont le but est de créer des esprits faciles à manipuler, sans que leur mobile ne soit vraiment expliqué. Et vu qu’il en faut toujours plus, on a aussi un nouveau tueur solitaire.

Très vite, on se perd entre ce que cette suite reprend de la première série, ce qu’elle crée, ce qu’elle réinvente, et ce qu’elle sort ouvertement de son cul. Je m’y perds, mais je reste bon public, car je suis faible face au sourire de la star principale, et la nostalgie aide. Dans la suite de 2026, le cast original est parti en vacances, et le nouveau cast est uniquement lié à l’intrigue par une infinie quantité de “au fait, on vous a pas dit, mais…”. Après deux épisodes, j’ai décidé de laisser tomber, et laisser cette saga là où elle aurait dû rester: dans le passé.

La production actuellement pourrait bien changer de direction et revenir aux jeux coopératifs, cela ne m’aiderait pas, vu que je n’ai pas d’amis à inviter chez moi. Toutefois, ces pensées me sont revenues en tête, tandis que je jouais à Pocky and Rocky.

Tabasser du yokai

Le jeu est un bon vieux Run & Gun, où le premier joueur incarnera Pocky, une jeune Miko, tandis que le second joueur incarnera Rocky, un tanuki facétieux. Il faudra traverser sept niveaux, tous ancrés dans la mythologie japonaise¹, affronter autant de boss et ennemis issus du shintoïsme, avant d’arriver à l’écran de crédits pour entrer son nom à côté du high score.

Au-delà de son ambiance, le jeu ne propose malheureusement rien de très neuf: Pocky peut bien gagner des power-ups pour que les projectiles qu’elle tire soient plus dispersés ou plus puissants, mais au-delà de ces évolutions bienvenues, ils sont limités à deux types: des o-fuda², ou des boules de feu. Et je n’ai même pas l’impression qu’en dehors de la direction que prennent les projectiles, il y ait la moindre différence lorsque l’on passe de l’un à l’autre.

N’ayant pas d’ami sous la main (haha), je n’ai trouvé personne à forcer de voir le gameplay de Rocky pour moi. Ce qui est dommage. Le jeu est court, pas forcément difficile, très agréable à parcourir, et surtout, il rappelle une époque délaissée du gaming, où l’on pouvait inviter quelqu’un à la maison et s’amuser ensemble en quelques minutes…

Étant donné que, vingt ans plus tard, une suite était annoncée pour 2026, j’ai eu envie de me replonger dedans.

Le Zodiaque de Wish

On se retrouve donc à Marseille, où Esther Delaître, notre héroïne, revient pour l’anniversaire de son père, le très riche Gabriel Saint-André, qui a décidé de reconnaître sa paternité, afin de présenter Esther à sa famille. Vont s’ensuivre des meurtres très méchants qui vont commencer par toucher des enfants très innocents, et à chaque fois, un indice est laissé: une espèce de médaillon moche (qui sert de logo à la série), voire même des citations de Nostradamus.

Le tueur du Zodiaque³ avait été nommé ainsi pour l’aspect cryptique de ses meurtres et des messages qu’il laissait. Ce n’est pas le cas ici, notre tueur étant une sorte de euh… un banal serial killer en fait, dont on connaît déjà les prochaines cibles, et dont le mobile est assez évident. Mais afin de rajouter du mystère et du spectacle, on y introduit des pseudos-sciences comme la “criminologie zodiacale”, une sorte de manière de retrouver le criminel en déduisant son thème astral pour déterminer sa date (et heure, minute, et seconde) de naissance.

À chacune de ces scènes, je ne peux que rêver que surgisse le Arnold Schwarzenegger de Last Action Hero pour lâcher cette sublime réplique lorsqu’un personnage lui pointe le coupable du doigt sans donner de raison:

Jack Slater: Tiens je te donne ma plaque je crois que tu l’as bien méritée.
Danny Madigan: Non, non je l’ai pas méritée.
Jack Slater: Qu’est-ce que tu racontes ? Grâce à toi cette affaire est résolue. C’est une révolution dans l’histoire de la police criminelle. Quand je pense à toutes ces années que j’ai passées à étudier le comportement humain, la psychologie des terroristes, l’analyse des empreintes, tous ces cours que j’ai suivis sur la filature, la récupération d’otages, la criminologie alors qu’il suffit de se balader au volant d’une voiture et de montrer une maison au hasard en disant “Les méchants sont à l’intérieur !!”
— Arnold Schwarzenegger, Austin O’Brien, Last Action Hero (1993), écrit par John McTiernan

Non, nous n’aurons pas droit à ce sérieux ici. À la place, un grand enquêteur du FBI qui passait par là arrive, et utilise un petit accent anglais pour donner du crédit à ces thèses fallacieuses. Toutes ces années après, je me demande si cette pseudo-science criminelle a produit le même effet que Les Experts.

Et en réalité, même la série semble se foutre de l’enquête, tant je n’ai pas souvenir d’un seul des indices qui fasse avancer l’enquête. Le seul qui me soit resté en tête, c’est la révélation finale du meurtrier, qui semble tomber comme un cheveu sur la soupe, et dont je ne me souviens même plus si elle n’est pas contredite par les évènements de la série…

Quant au motif, il traite (comme d’habitude pour ce type de séries…) de la vengeance, mais est tellement tiré par les cheveux qu’il semble plus fonctionner à la magie qu’à la logique…

L’amour dégoute et des couleurs

Histoire de plomber un peu plus l’enquête qui baigne déjà assez dans le conflit d’intérêts vu le passif entre le flic dur-à-cuire mandaté dessus, et la riche famille des Saint-André, Esther couche avec le commissaire Antoine Keller dès le premier épisode. C’est l’occasion d’une séquence de topless en prime time qui a dû égayer beaucoup de soirées familiales, et qui a sûrement titillé le moi adolescent.

C’est le point de départ d’un très ennuyeux enrobage de l’enquête, où les deux personnages⁴ vont s’entre-déchirer tandis que l’enquête avance (ou en tous cas, elle essaie), et en bon précurseur du “Edward vs. Jacob” de la saga Twilight, un triangle amoureux s’installe avec un personnage qui n’a vraiment rien à foutre dans cette série, si ce n’est de servir de sommet bad boy⁵ du triangle. Mais à part être là pour meubler entre deux crimes, cette relation ne sert vraiment à rien…

À la fin, après cinq épisodes à supporter des personnages en surjeu constant, et après un faux cliffhanger, la série promet une résolution au crime, une fin, et un amour éternel. Surprise: aucune de ces trois promesses ne sera tenue. Mais bon, c’est un spectacle d’été, à regarder en famille, après une journée épuisante à la plage, au moment où toute la fratrie se succède sous la douche pour laver le sel collé à la peau. C’est pas fou, mais c’est associé à de jolis souvenirs…

Mais tout comme la création du monde est une suite de surprises et de hasards qui ont mené à la vie, je suis moi-même tout à fait capable de surprises, de lancer un jeu sans rien prévoir, et de le terminer…

Aux origines du monde

Les premières heures de Terranigma sont très cryptiques: on découvre Ark qui vit une vie paisible avec son amie d’enfance Célina² dans leur petit village isolé au milieu d’une forêt et sans aucune ouverture sur un monde extérieur. Comme dans tout bon RPG, il ne faudra que cinq minutes au joueur pour briser cette tranquillité et réveiller une malédiction enfermée au sous-sol de la maison du sage du village, et ce dernier l’enverra dans une quête pour lever la malédiction qui a pétrifié tous les habitants…

C’est là que le jeu assène au joueur son premier money shot lorsqu’il découvre la carte du monde. Si à l’époque, sur la console, il était de rigueur que celle-ci soit représentée sous une vue aérienne oblique, afin de simuler une pseudo-3D, ce jeu va un peu plus loin, en enroulant la carte autour de l’écran, donnant au joueur l’illusion de naviguer à l’intérieur de la planète.

Les cinq tours qui servent de donjons à ce monde intérieur se terminent toutes dans une salle au pentacle totalement cryptique, où le joueur est informé de la restauration de l’un des cinq continents du monde qu’il connaît. Une fois la dernière tour vaincue, Ark et le joueur sont informés que ce monde étrange aux mers de lave et aux montagnes faites de cristal, n’est que l’envers du monde de la surface, et qu’à présent, il faut développer celui-ci pour ramener la vie sur terre.

C’est l’histoire de la vie

Après avoir laissé derrière lui Célina et les villageois revenus à la vie, Ark saute donc dans une crevasse qui le mène à la surface du monde. Si le jeu nous évite de passer par l'étape de la vie marine, on n’en est pas loin: Ark doit sauver le règne animal qui est déjà menacé par les minions du (futur) boss final. C’est un passage assez court mais très touchant, qui rappelle un peu le (futur) premier donjon de Ocarina of Time: on sent la volonté de présenter un environnement très proche de la nature.

Le jeu décrit sans fard la dure réalité de l’évolution: certaines espèces se battent, et d’autres s’éteignent sous les regards impuissants d’Ark et du joueur, qui ne peuvent qu’aller de l’avant.

Human after all

Lorsqu’enfin l’humanité s’éveille, le troisième, et plus gros, chapitre du jeu s’ouvre. C’est une séquence assez étrange et bourrée d’anachronismes: on doit donc accompagner une princesse ressemblant fortement à Célina sur un bateau à la découverte d’un New York qui n’est qu’un village, mais abrite déjà un skateboarder, tandis qu’au même moment la ville de Néo-Tokyo est déjà urbanisée, et possède un magasin de ramens, une pharmacie, et les locaux des développeurs du jeu, lesquels ont même une note vous indiquant le numéro de téléphone du (défunt) Club Nintendo.

C’est un gloubiboulga très étrange, mais aussi très plaisant à naviguer. Tandis que certaines villes seront encore des hameaux (ou pourront se développer selon les actions du joueur), d’autres inventeront (toujours grâce au joueur) l’électricité, l’aviation, ou même les sectes³.

Tout ce travail pour mener l’humanité vers son évolution mènera vite à la découverte du boss final, qui est encore une figure divine et maléfique, comme quoi l’idée qu’un bon RPG japonais mène toujours à défoncer Dieu ne sort pas de nulle part. C’est malheureusement le moment où le jeu donne l’impression d’avoir été bâclé au niveau du scénario, et conformément à un cliché classique du RPG⁴, on découvrira qu’Ark et le joueur ont été manipulés depuis le début du jeu… Le jeu s’emmêle un peu les pinceaux, remplace un personnage (qui s’avère être un traître) par un autre (qui est le même, mais est cette fois un allié),… C’est assez confus, et heureusement, le boss final n’est pas loin. La fin est très poétique et a fait couler autant d’encre que de larmes depuis.

En 2022, pour fêter les 27 ans du jeu, Kamui Fujiwara, l’artiste original du jeu, a publié une animation utilisant des artworks pour retracer les évènements importants du jeu, avec un grand focus sur la relation entre Ark et Célina, et un petit moment pour chaque boss, personnage, ou lieu qui rythme l’aventure. Même en la regardant cinq minutes après avoir terminé l’aventure, je ne peux m’empêcher d’être pris d’un petit pincement au coeur, à la manière d’un bon livre que l’on ne veut pas terminer pour que l’histoire continue… Ah, vraiment, quel grand jeu.

Le pitch s’inspire d'évènements réels pour présenter un réalisateur de films d’action, enlevé par un dirigeant asiatique, qui lui demande un remake de King Kong à la gloire de son régime.

Toute ressemblance avec des personnages…

Dès le premier épisode, tout, dans les décors, les déboires, les personnages, les prénoms, les dialogues,… est fait pour induire le spectateur dans une certaine lecture: clairement, nous sommes dans la meilleure des Corées! La série installe son ambiance avec une certaine virtuosité et il est difficile de ne pas y croire, ni d’être happé.

Ce n’est qu’au milieu du second épisode que je suis distrait une demi-seconde, et mon cerveau reprend le dessus et fait les liens nécessaires: un personnage vient de dire 你好Ni Hao, et le panneau qui vient juste de passer à l’écran est écrit en Hanzi, pas en Hangeul,… Cette scène, si bien tournée que j’y croyais, représente en réalité la (ou a été tournée en) Chine!

Je n’ai aucune idée de ce qui a suscité le choix de cette représentation. Est-ce là un désir expressif du réalisateur? Refus de sombrer dans la même facilité parodique que The Interview? Facilité de tournage pour avoir une équipe asiatique qui parle une langue commune sans être comprise par le spectateur et le personnage principal?

Peut-être n’est-ce au final qu’une coïncidence, mais je l’adore et le trouve très représentatif du pouvoir de la cinématographie, et même du propos de cette série: le cinéma a un pouvoir de mensonge qui lui permet de raconter des histoires et véhiculer des idées. Ainsi, un Kim Jong-un pourrait être joué par un acteur chinois, et pourtant je croirais quand même le vrai capable de tout cela!

Ce film est mon film

L’autre pan de la création cinématographique, c’est vraiment la gestation d’un objet. Je ne sais pas pourquoi, mais je pense spécifiquement à Spielberg quand j’entends ça. Notre réalisateur local, Mathieu Stannis, n’a rien de tout cela, il me ferait même plutôt penser à Louis Leterrier, entre son apparence et sa filmographie¹.

D’abord courroucé et prêt à tout pour s’enfuir, quitte à bâcler le film, il va vite trouver dans ce régime totalitaire la liberté artistique qu’il lui manquait pour retrouver le plaisir de créer, arrivant à une situation ubuesque où il préférera rester coincé plutôt que de s’enfuir, afin de s’assurer que son film soit achevé selon sa vision.

On se rapproche alors un peu plus de George Lucas, et du fossé qui sépare ses films du début, des plus récents, où plus personne n’ose le contredire, ni lui refuser un budget. Confronté aux privations du régime, au manque de moyens et de talents,… Mathieu retrouve le plaisir de redoubler d’ingéniosité pour créer le spectacle qu’il a l’intention de partager au public.

Bien sûr, le réel le rattrape vite, et si le régime aime le cinéma, il préfère quand même la soumission. La mini-série s’achève d’une manière très réaliste, qui ne sombre ni dans le misérabilisme, ni dans un optimisme ridicule. La parenthèse de création de Mathieu se referme, il retourne au cinéma, et la série se termine, comme si elle avait été un documentaire. Ce qu’est cette série, en soi: le cinéma est un art du mensonge et de la passion créatrice.

Donc, rendons à Zoë Quinn ce qui lui est dû: son jeu Depression Quest de 2013, devenu malgré lui le point de départ d'une rupture dans le monde du jeu vidéo, était bien l’un des premiers à traiter frontalement du sujet. Cela ne l’exempt pourtant pas d’un certain type de critiques qui est souvent revenu à l’époque¹ et a entaché d’autres jeux: le jeu prenait plus de temps à parler du sujet de la dépression qu’à être jouable.

Ce qui devient vite un problème lorsque l’on parle d’un jeu vidéo.

Oui…mais si l’on joue?

Les gens utilisent souvent la critique de “pas de politique dans mon X” pour décrire certaines oeuvres. J’ai découvert il y a peu l’avis du twittos HZK à ce sujet, et je dois dire que je suis assez d’accord:

Quasiment tous ces films ont un sujet ouvertement politique.

Lorsqu’on injecte du politique dans l’art, on ne fait pas de l’art, on fait des tracts.

Et les tracts, c’est souvent ennuyeux.
— @Hazuakashi1, tweet du 2 Janvier 2023

Lorsque vous créez une oeuvre, demandez-vous toujours si elle aurait pu être remplacée par autre chose : par exemple, Apocalypse Now ou le Parrain auraient pu être des opéras.

Si ce que vous êtes en train de faire pourrait être un tract, faites plutôt un tract.
— @Hazuakashi1, tweet du 2 Janvier 2023

Le problème n’est donc pas la présence (ou non) de sujets politiques dans une oeuvre, mais si elle est vraiment une oeuvre, ou si elle n’est qu’un banal tract déguisé en oeuvre. C’est ici que le bât blesse, car tous les créateurs de jeux vidéo ne naissent pas égaux en qualité d’écriture, ou en subtilité: tout le monde n’est pas capable de nommer un personnage Sam Porter Bridges, et le rendre cohérent dans la diégèse d’un monde où il va livrer des colis, et servir de pont entre les gens².

Par exemple, lorsqu’en 2019 je jouais à Timespinner, un Metroidvania dont j’ai immédiatement reconnu les inspirations de Symphony of the Night en traversant certaines pièces du jeu, mais dont l’écriture de ces personnages a plutôt relevé de la douche froide, avec une scène qui sert juste à énumérer les minorités sexuelles représentées dans le jeu.

Mais ce n’est pas un écueil qui attend tous les jeux: il est tout à fait possible de rendre son propos encore plus cohérent en l’exprimant à travers le gameplay, comme ce fut le cas pour Céleste. Si une blague courante est de dire que le message du jeu est “les personnes trans peuvent faire des doubles sauts”, son propos est en réalité dans la confiance en soi, comment affronter les voix que nous produisons nous-même pour nous rabaisser ou nous décourager face aux difficultés, et comment persévérer malgré tout. Comment puis-je le savoir alors que je n’ai pas souvenir d’un seul des dialogues du jeu? Très simple: tout son gameplay, son level design, ses adversaires, et sa difficulté évolutive³, transmettent ce message.

Bon, et bien Constance, ce n’est rien de tout ça.

La subtilité d’une brique

Quand le jeu commence, l’héroïne est armée d’un pinceau, et tous les pouvoirs tourneront autour de la peinture. Ca donne envie d’en voir plus, d’apprécier encore plus les divers pouvoirs (du genre se transformer en tâche de peinture et se jeter dans le sol ou les murs pour progresser), mais le plaisir de jouer est malheureusement de courte durée…

À moins de la moitié du jeu, la difficulté subit une courbe implacable, suivant la mode de certains jeux initiée par une nouvelle référence du genre, et les boss qui suivent nécessitent des réflexes sans égaux, ou de la triche, pour survivre aux affrontements. Et histoire de s’assurer que la mort soit une punition efficace, chacune d’elles mettra le joueur face à un choix cornélien: reprendre depuis le (souvent lointain) dernier point de sauvegarde, ou reprendre depuis le début de l’écran en cours, mais les ennemis auront désormais gagné en puissance…

Et pourtant, même avant ça, le jeu vient emmerder le joueur: alors que celui-ci essaie de poursuivre son exploration de ces étranges cavernes, dont l’ambiance semble vraiment pompées sur Hollow Knight, il sera interrompu à plusieurs reprises par des séances “dans le monde réel” où il faudra subir le burnout de l’héroïne du monde réel. On aura donc droit à une séquence très chiante où il faudra accomplir plusieurs tâches de bureautique, tandis que des managers donnent des ordres contradictoires sur une app de messagerie, ou bien un rangement de photos dans un album,… Et pour couronner le tout, toutes ces séquences sont pensées pour un jeu à la souris, et manipuler les “mains” virtuelles avec une manette ne fera qu’ajouter à l’ennui.

Je n’ai rien compris au propos final, à peine que le scénario voulait parler de déprime. C’est bien, mais ça ne fait pas un bon jeu vidéo…

The table basse en verre where I died

À l’inverse de Fox Mulder qui découvre l'endroit où il est mort dans une vie passée, la pauvre Kang Ji-Won ne le sait pas, mais elle connaît très bien l’endroit où elle va mourir. Vu qu’elle a un cancer en phase terminale, elle s’attendrait à mourir dans un lit d’hôpital, mais puisqu’un malheur n’arrive jamais seul, il lui suffit de rentrer chez elle pour découvrir que son mari la trompe. Et bien sûr, avec celle qui est sa meilleure amie depuis le lycée: Jeong Su-min.

Décidément, on n’est qu’à dix minutes dans le premier épisode, et rien ne va, vraiment. Alors quand (enfin!) son mari la pousse, et qu’elle tombe accidentellement à travers la table basse en verre du salon, et meurt sous l’impact², on imagine que son personnage va aller quelque part qui ne baigne pas dans une misère digne des Rougon-Macquart³.

En l’occurrence, dix ans plus tôt, en 2013, avec tous les souvenirs des dix années qui arrivent. Elle est déjà en couple mais n’est pas encore mariée, personne ne lui a demandé si elle était Charlie, elle est fan de BTS avant tout le monde, et si elle casse son PEL pour acheter du Bitcoin et des NFTs de singes, elle pourra peut-être même racheter Twitter. Vous trouvez ça stupide de sa part de vouloir racheter ce réseau social du chaos où ne s’expriment que haine et colère? Vous vous demandez comment quelqu’un pourrait être assez débile pour dédier sa vie à des sentiments négatifs⁴? Vous n’y croyez pas? Vous imaginez que cette occasion de changer le fil de sa vie serait l’occasion d’en vivre une bien plus plaisante et positive?

Non, non. Oubliez tout ça. Le pardon, c’est pour les psys, les coachs de vie LinkedIn, et les tapettes qui tendent l’autre joue! Ji-Won a déjà choisi à quoi elle consacrera sa nouvelle vie: la vengeance.

Je te souhaite à ma pire ennemie

Dès sa première journée de boulot dans le passé⁵, elle découvre que même si elle peut modifier le futur, on n’est pas dans une vision causale du temps et des évènements à l’occidentale, mais une vision orientale: c’est le karma qui mène, et si quelqu’un échappe à son destin ou à ses malheurs, alors il faudra qu’une autre personne le vive (ou les subisse!).

Au diable les conséquences, et même au diable la science, c’est à ce moment-là que la solution se révèle à elle: afin d’échapper à son destin, et notamment à son cancer, il faut qu’elle refile son destin à sa “meilleure amie”. Comment? En lui faisant épouser son futur mari.

Je ne suis pas certain de la logique, mais vu comment L'Effet papillon se torchait totalement avec ses règles, comment lui en vouloir?

This is the future women want

La série devient donc un power trip totalement démesuré. Il suffira d’une bonne coupe de cheveux, de remplacer ses binocles par des lentilles de contact⁶, et d’une robe qui coûte un mois de loyer⁷ pour renverser le rapport de forces, et devenir la femme forte qu’elle a toujours été!

Bien sûr, la société coréenne est ce qu’elle est, donc sa réussite passera forcément par le capitalisme (symbolisé par sa montée en grade) et l’amour (symbolisé par sa nouvelle relation avec le CEO de sa boite). Histoire qu’elle se sente moins seule, l’entité magique qui régit la série a décidé d’envoyer avec elle dans le passé un mec qui était follement riche (et amoureux d’elle dans sa première vie) afin qu’il puisse tenter sa chance avec elle dans cette vie-là, et lui donner tout le support (et l’amour aussi) dont elle a besoin.

La série fera donc dans l’escalade: d’abord un croche-patte à la cantine totalement GRATUIT et digne des pires bouchers du football anglais, puis une petite humiliation publique devant l’association des anciens élèves afin de redorer son propre blason, puis lui faire perdre son boulot et la détruire socialement,… à ce moment-là, on n’est qu’à la moitié de la série, et on s’imagine qu’il sera difficile de faire pire, mais rassurez-vous, les écrivains coréens n’ont rien à envier aux écrivains de télénovelas mexicaines, et il sera vite question de familles riches, d’héritages, de mariages arrangés, d’hommes de main peu scrupuleux, de tentatives de meurtres,…

Même si le plaisir de voir tout cet étalage de puissance de la part de notre supercouple est très jouissif, on s’interroge quand même sur le besoin de déployer tant d’énergie juste pour se venger. Perso, j’aurais investi dans des actions Nvidia et je me serais acheté une île sur laquelle passer ma retraite à jouer aux jeux vidéos toute la journée en caleçon, mais bon, you do you j’imagine.

Je n’ai aucun ennemi

La série assume totalement sa “morale” décomplexée. À peu près au milieu, tandis que le plan titulaire est enfin accompli, et que l’on pourrait en rester là, le “karma” qui régit la série se déploie: le cancer (et la mort, sur une table basse en verre) ne sont pas forcément liés au mari, et ils vont en fait toucher sa gentille collègue de bureau, dont elle devra donc guérir le cancer (quelle chance que son riche amoureux ait investi dans la recherche sur le cancer dès son réveil dans le passé!), et la protéger d’une table en verre (quelle chance que tous les coréens possèdent des clubs de golf chez eux!).

Tout cela, couplé à ma propre personnalité, m’a mené à voir la série sous un prisme vraiment différent: on n’est plus sur le power trip d’une femme qui a le droit de vouloir se venger⁸, mais sur un cycle de violence qui devient vite démesuré et emporte avec lui bien plus que les protagonistes initiaux.

Pire encore: même l’antagoniste, passé les premiers épisodes où elle est réduite à “Elle m’a pris mon mari, et il m’a buté” et inspire des envies de vengeance chez le spectateur, devient vite une personne à prendre en pitié plutôt qu’à haïr. Lorsque la relation de ces deux femmes est approfondie, son image de génie du mal s’estompe vite. Bien sûr, il y a BEAUCOUP de toxicité de sa part dans cette amitié, mais il y a quand même une forme d’amour (très malsain) de sa part, même s’il n’est là que comme faire-valoir.

Tout ceci culmine à mi-série: Su-Min est triste de voir sa meilleure amie Ji-Won la repousser, et elle se jette dans un lac. Bien sûr, notre héroïne plonge pour la sauver (il faut bien que cette salope passe à travers sa table basse en verre elle aussi!), et la série décide clairement que la subtilité, c’est pour la Nouvelle Vague et les critiques des Cahiers du cinéma. Dans une scène glaçante de beauté, alors que les deux femmes se retrouvent sous l’eau, éclairées par la lueur de la lune, Ji-Won attrape Su-Min, inconsciente, prête à la ramener à la surface… Celle-ci rouvre les yeux, et comme dans tout bon film d’horreur, tente de l’attirer avec elle vers les tréfonds et la mort. Là encore, c’est une manière très facile de créer chez le spectateur le sentiment de haine nécessaire pour rester du côté de notre héroïne mais malheureusement…cette scène est totalement fausse: Su-Min n’est pas Sadako, et même si cet acte était clairement toxique, il n’était qu’une expression d’amour et de désespoir, pas une tentative de double-meurtre bien caché.

Et…c’est là que je me suis mis à me poser des questions sur la réalité de ce que la série nous présentait.

Tandis qu’elle continuait de nous présenter des indices et des flashbacks sur le rapport passé des deux amies, Su-Min paraissait de plus en plus comme une amie malsaine mais attachée, tandis que Ji-Won continuait sa vengeance comme la pire des salopes. Ainsi, si pour Ji-Won, le point de départ de ces aventures était bien une tromperie, suivie d’un meurtre conjugal (accidentel), dans cette timeline, pour Su-Min, sa meilleure amie décide soudainement de totalement détruire sa vie sans la moindre raison…

Ça atteint un tournant absurde dans les derniers épisodes de la série, où Ji-Won s’imagine que pour ré-organiser le destin, elle doit à nouveau séduire cet ex-mari qui est désormais celui de sa meilleure amie. Ce qui n’est pas trop dur tant le personnage est creux! La série voit bien apparaître une VRAIE figure d’antagoniste machiavélique sur sa fin, mais sinon, personne n’a l’air de réellement chercher à faire du mal à l’héroïne. Même le mari trompeur n’est…rien. Il est juste un abruti égoïste, lâche, et profondément stupide, dont le plus grand accomplissement avait été (dans sa première vie) de mettre le grappin sur la fille à lunettes timide et de l’épouser. Même son crime relève davantage de la stupidité que de la préméditation diabolique: s’il l’a bien poussée, il n’avait pas prévu que Ji-Won tombe sur une table basse en verre, provoquant sa mort.

À la fin de la série, le cancer est guéri, tout le monde trouve l’amour, et les méchants sont punis (prison, folie, et table basse en verre). La série consacre ses dernières minutes à un long traveling à travers la maison de notre (désormais riche) héroïne, avec une belle chambre d’enfants où trônent fièrement les photos de mariage de ses (très riches) parents. Là encore, c’est un peu un aveu d’échec de la série: la solution à ce mariage cheap et malsain était juste…un meilleur mariage avec le mec riche. Mais je ne boude pas mon plaisir: même si l’exhibition de puissance était parfois dure à justifier, je savais où je mettais les pieds, la réalisation était de qualité, et tout ce trip était très jouissif.

J’ai encore le souvenir, très particulier, du premier secret du jeu: alors que le chateau de notre héros était cambriolé par les ennemis du jeu, que ceux-ci laissaient couler les robinets, et que le réveil anthropomorphique sonnait, il suffisait de…ne pas se réveiller. Les cambrioleurs venaient ainsi prendre notre héros endormi et le jetaient hors de chez lui, le mettant alors sur la piste d’une nouvelle aventure…

La carte du temps

Les précédents jeux de la série Land¹ utilisaient le principe des niveaux accessibles sur une carte du monde, un concept hérité de Super Mario Bros. 3. Généralement, cette carte se présente comme une unité de lieu, où les embranchements mènent à différentes zones.

Ici, la carte se présente comme une timeline linéaire, et capable de brancher (mais aussi se rejoindre), selon la direction que notre héros donnera à son aventure. Si la première branche semble vraiment intégrée à l’histoire, je suis plus partagé sur les autres, dont mon seul souvenir se limite à “Il faut juste trouver le passage secret”.

Certains sont vraiment retors, et d’autres sont très agréables à découvrir, le jeu se présentant comme une suite de puzzles à résoudre, entre la configuration de l’environnement et les ennemis présents. Comme toujours, Wario est immortel, et la plupart des afflictions que les ennemis peuvent lui infliger se révèleront être des moyens de découvrir de nouvelles zones. Wario se fait écraser? Il pourra planer jusqu’à cette petite ouverture dans le mur d’en face. Enflammé? Il pourra brûler certains murs.

Tous ces éléments font de chaque écran une mini-énigme très plaisante à résoudre. Surtout lorsqu’elle fait appel à l’intelligence du joueur. En revanche, lorsqu’il s’agit de passages qui nécessitent uniquement d’essayer de casser tous les murs sans discernement, on se sentira un peu plus floué…

Wario le faible

Le premier truc qui frappe, c’est que notre protagoniste est privé de toutes ses habilités: pas de ground pound, ni de bien d’autres. Il incombera donc au joueur de les récupérer lui-même s’il tient à s’en servir pour explorer tous les secrets de ce jeu.

Suivant les racines de la série Wario Land, le jeu présente ses niveaux sous la forme d’une carte, mais avec un parti-pris intéressant: chaque niveau contient quatre coffres au trésor, plus ou moins bloqués par des obstacles, ou nécessitant de retrouver certaines habilités, et les objets contenus dans ces coffres peuvent altérer la carte du monde, ou la composition des niveaux.

Ainsi, l’un des premiers trésors permettra d’abattre un arbre, qui ouvrira le chemin vers un niveau suivant. Un autre trésor permettra de faire sortir des serpents d’urnes, afin d’en faire des plate-formes,… On se retrouve donc face à un Metroidvania découpé en niveaux de jeux de plate-formes. Ce n’est fondamentalement pas différent d’un Symphony of the Night qui sépare sa carte en plusieurs zones, avec chacune son thème, et c’est clairement influencé par les limitations techniques de la console¹.

Ce n’est pas vraiment problématique, mais il y a quelque chose d’étrange et d’inattendu dans ce mix. Parfois, c’est juste l’arbitraire de la chose qui perturbe: si l’on peut concevoir qu’il va falloir nager à un moment, briser des murs à un autre, et ainsi associer des zones à des habilités que l’on s’attend à récupérer, le reste est parfois plus cryptique. De même, la connaissance de la grammaire vidéoludique indique clairement que ce gros arbre va abriter un morceau de niveau, ou que cette porte servira à un moment, mais il y a des morceaux bien plus étranges qui ont juste l’air de se débloquer “comme ça”.

Comme tout bon Metroidvania, le jeu ne nécessite pas de récupérer tous les trésors pour être terminé, et se retrouver face au boss final sera relativement aisé. Pourtant, je ne peux m’empêcher de ressentir que cet épisode est en-deçà des standards de la série…

Tout changea en 2008: alors en possession d’un CDI chez McDonald’s, je décidai, un jour de juillet, de me diriger vers le Virgin Megastore local pour acquérir une console ET un jeu. Je ne sais même plus comment j’en avais entendu parler, vu que je ne suivais pas du tout les actualités gaming à l’époque, mais une chose était sûre: je voulais jouer à ce jeu, non je devais jouer à ce jeu.

Ainsi, pour un peu moins de 180€, je rentrais chez moi avec dans la main ma toute première console, et mon premier jeu console…

2008: Débuts pauvres

Bien sûr, j’ai vite réalisé pourquoi mes parents ne voulaient pas m’acheter de consoles de jeux dans mon enfance: le coût d’une console était bien trop conséquent si les prix des jeux venaient ensuite s’y ajouter. Et même si la PSP incluait un navigateur web rudimentaire, et un lecteur MP3 qui a été sa fonction principale lors de quelques séjours, dans la pratique, ça n’était pas vraiment un objet pérenne…

Crisis Core: Final Fantasy VII

Je n’ai pas assez de qualificatifs pour décrire ce jeu, ressorti récemment dans une édition Reunion sur consoles modernes. Préquelle du classique intemporel, le jeu avait tout pour me plaire: une histoire géniale, un gameplay original pensé pour la portable et en partie inspiré de l'autre série phare de Square-Enix à l'époque, GACKT, une bande-originale mémorable³, et une fin poignante qui vient donner tout son sens à une scène qui n’était qu’un événement optionnel du jeu d’origine.

Hey…would you say I became a hero?
— Zack, Crisis Core: Final Fantasy VII (2006)

Un plaisir parfois lent, qui doit avoir un feeling très différent une fois transposé sur une console de salon⁴, mais qui a parfaitement justifié son achat.

Castlevania: The Dracula X Chronicles

En termes de valeur, difficile de faire mieux que ce jeu, qui en incluait trois: en surface, un remake de Castlevania: Rondo of Blood, dans lequel on pouvait débloquer le jeu original, ainsi que le classique dont je parle constamment: Castlevania: Symphony of the Night.

En plus, j’ai souvenir de l’avoir eu à un très bon prix. Génial.

Final Fantasy Tactics: The War of the Lions

Décidément, Square-Enix savait exploiter la console. J’avais déjà commencé ce jeu dans sa version originale sur PS1, mais cette adaptation de qualité était très agréable à prendre en main, et les nouvelles cutscenes animées dans un style très “crayonné” apportaient une nouvelle identité au jeu.

Mais bien sûr, comme beaucoup de jeux longs et presque trop répétitifs, je ne l’ai jamais fini…

2010: À peine plus de jeux

Je n’ai même pas souvenir d’avoir acheté d’autres jeux entre-temps. Même si le rayon des jeux PSP était bien fourni, rien ne trouvait vraiment grâce à mes yeux, et de toutes façons, mes finances ne pouvaient pas justifier d’achats irréfléchis.

Kingdom Hearts: Birth by Sleep

Ma soeur et moi sommes très friands de la série Kingdom Hearts, donc quand une édition collector de Kingdom Hearts: Birth by Sleep, dernier jeu de la série, a été annoncée, ce fut son choix comme cadeau vu qu’il sortait pile-poil pour mon anniversaire, et servait à peu près de félicitations pour la reprise de mes études (et probablement d’excuse pour m’emprunter ma console à ce moment-là afin qu’elle puisse terminer le jeu avant même que je ne puisse le commencer).

Découpée en trois scénarios, et avec de nouveaux protagonistes, cette préquelle introduisait peut-être plus de questions que de réponses, une tendance dont Nomura n’arrivera pas à se détacher, même quinze ans plus tard…

Bien que plus compact, le jeu conservait le gameplay des opus précédents sur PS2, et y ajoutait certaines idées qui se retrouveraient dans le longuement attendu troisième épisode.

Malheureusement, les cours, mêlés à mes velléités de complétion de jeux, m’ont fortement handicapé. À ce jour, sur les trois scénarios du jeu, je n’ai fini que celui de Terra…

Star Ocean: First Departure

Je ne sais PAS comment j’ai réussi à finir ce jeu. Ou plutôt: je sais comment j’ai réussi à ne jamais lancer sa suite: elle nécessite des tonnes de min-maxing dès la première minute, ce qui implique de jouer avec un guide à la main…

Pour ce jeu donc…la série partageant son origine avec celle des Tales of, on y retrouve les mêmes problèmes de combat trop brouillon pour moi, malgré un scénario de fantasy (aux éléments faussement estampillés SF) très plaisant.

2013: Mod it like it’s hot

Étant donné le peu de temps que je passais sur ma console, je ne sais pas comment j’ai justifié mentalement le fait de l’apporter avec moi lorsque j’ai déménagé à Paris. Et je ne sais pas non plus comment je me suis retrouvé dans cette boutique parisienne qui me proposait de la modder pour y installer des jeux gratuits. Un mod qui m’aura coûté 20€, se sera avéré n’être pas dans sa version la plus récente, et que j’ai désinstallé par inadvertence, avant de trouver le plus récent en ligne, et découvrir que j’aurais pu installer celui-ci dès le début, sans les manipulations du magasin…

Mais enfin: un monde nouveau de jeux vidéo s’ouvrait à moi!

Tombi!

L’une des plus belles prouesses du Sony d’une certaine époque était son support de la rétro-compatibilité. Ainsi, la PS2 ET la PSP supportaient, en plus de leurs jeux natifs, les jeux de la PS1. J’ai donc pu prendre un grand plaisir dans ce jeu 2.5D, que j’avais découvert en 1998 au palais des expositions de Marseille sur une borne de libre jeu, et dont un dialogue assimilant la tignasse du héros à celle du héros d'un célèbre manga…

Le jeu est très bon, sa suite est ridicule, et sa ressortie en 2025 est une preuve de son style indémodable.

Les potes de Sony: God of War, Silent Hill, Jak & Daxter,…

Avec le temps, la PSP avait eu droit à beaucoup d’expériences spin-off des célèbres séries de ses grandes soeurs. Du côté du demi-dieu Kratos, on retrouve donc Chains of Olympus, une préquelle, et Ghost of Sparta qui se place au début de la franchise. Les deux jeux restituent efficacement le feeling des épisodes numérotés, et se sont avérés être assez bien placés pour qu’un néophyte de la franchise (comme moi) puisse les apprécier sans se sentir perdu. Les jeux étaient si bons, que retraverser leur adaptation HD sur PS3 quelques années plus tard a été un grand plaisir pour moi.

Du côté de Silent Hill, c’est plus mitigé. J’ai d’abord joué à Shattered Memories, qui était initialement pensé pour la Wii et s’est retrouvé parachuté sur PSP, avec un gameplay vraiment pauvre. Heureusement, la préquelle Origins s’est avérée bien plus plaisante à jouer, même pour un touriste comme moi qui n’avait jamais réussi à aller bien loin dans les rues brumeuses de la ville.

Enfin, si j’étais totalement passé à côté de la série originale, découvrir Jak and Daxter: The Lost Frontier fut un très bon moment de jeu vidéo. Le jeu n’est pas spécialement “marquant”, mais il reste une aventure de plateformes 3D agréable à jouer.

…et des abandons en pagaille

Étrangement, même si je suis capable de lister des jeux que j’ai terminés et adorés, je suis aussi marqué par les jeux que je n’ai pas réussi à terminer, alors que j’en avais très envie. En plus de ceux mentionnés plus haut, je me souviens notamment de Persona 3 Portable, Xenogears, et Chrono Cross.

Tandis que j’écris ces lignes, je participe au FFV Four Job Fiesta, ce qui est ma seconde (ou troisième je sais plus) run de Final Fantasy V. Même avec les contraintes du Four Job Fiesta⁵, et en connaissance à peu près totale du scénario, je suis toujours happé par le jeu, son gameplay, ses difficultés,… À l’opposé, les jeux mentionnés plus tôt relèvent encore de l’inconnu pour moi, je veux découvrir leurs histoires⁶, leurs aventures, leurs rebondissements,… Mais je n’y arrive pas.

À ce jour, je n’ai toujours pas d’explication à ce sujet.

Troisième anniversaire et Parasite Eve

Je ne sais plus du tout lequel j’ai fait en premier, mais je soupçonne que The 3rd Birthday a été le premier pour moi. Nomura avait le vent en poupe, et est donc sorti ce jeu étrange, où l’on incarne Aya Brea dans un shooter étrange où elle peut sauter de corps en corps, tout en perdant ses fringues à mesure que les dommages augmentent.

Si le jeu est clairement le PIRE de ce que Nomura peut produire, que ce soit en termes de scénario (alambiqué sans raison), de gameplay (ridicule), ou de fanservice (déraisonné), il a eu le mérite de me ré-introduire à une grande saga (au destin étrange) du jeu vidéo.

En 1997, dans le numéro 66 du magazine Joypad, je découvrais un article sur Parasite Eve, présenté comme “l’après-FFVII”⁷. Un jeu tout aussi beau, loin des univers fantastiques et placé dans un NYC contemporain, où l’on incarnait Aya Brea, une femme-flic qui ne se laisse pas faire, tandis qu’elle affronte des créatures monstrueuses issues de la science…

Inutile de dire que le jeu est magnifique sur tous ses aspects. L’histoire courte se contient parfaitement, l’aventure est très plaisante à suivre, très cinématographique, le gameplay de combat est d’un style vraiment unique à base de mouvements et d’armes à feu,… Ce n’est pas pour rien que j’ai fini le jeu plus d’une fois, et que j’ai abusé plus d’une fois de son mode New Game + afin de devenir un sexy shoeless god of war⁸.

Quant au second épisode de la série, il est le préféré de certains, mais je déteste ce nouveau gameplay inspiré de la série Resident Evil…

2015: Devenir sérieux

En 2015, nouveau job, nouvelle copine, et nouvelle routine. Ainsi, chaque matin, je profite de ma demi-heure de tramway/RER/métro pour jouer à la console dans les bras de ma compagne, ce qui sera peut-être ma période la plus prolifique sur la console…

Des classiques à la pelle!

Je connais mes limites, et même si j’ai eu plus d’une fois l’occasion de télécharger les jeux de la série Trails, le seul qui a attiré mon attention assez longtemps pour que j’ose y jouer fut le spinoff Nayuta no Kiseki, à l’époque exclusif au Japon. Clairement, je n’étais pas vraiment prêt pour des jeux nécessitant autant d’attention que les Trails, et cette aventure de type action-RPG, là encore pensée pour la portable, était tout à fait faisable, avec beaucoup de plaisir.

En revanche, relisant mes notes, je m’interroge sur la présence de Valkyrie Profile: Lenneth. Je sais que j’ai fini le jeu, mais je m’étonne d’avoir pu le finir à cette époque de ma vie, tant le jeu nécessite des ajustements de tous les instants pour qui veut accéder à la meilleure fin du jeu⁹… Le jeu est très bien, mais je doute que j’aurais pu avancer dans le jeu sans avoir constamment un guide à côté.

Déjà mentionné sur ce blog, c’est aussi à cette époque que j’ai terminé pour la première fois Ys: The Oath in Felghana. Rien à ajouter, et j’ai encore un doux souvenir d’attendre le TGV pour Marseille avec ma compagne, le jeu à la main…

C’est aussi à cette période que, grâce à mon nouveau job qui paye très bien, je me décide à acheter d’occasion les versions collectors de Persona 3 Portable et Final Fantasy IV: The Complete Collection. Deux jeux qui attendront patiemment sur mes étagères pour ne jamais être insérés dans ma PSP, et que je revendrais quelques années plus tard.

La Corée du jeu

La jaquette de Astonishia Story m’a longtemps intrigué quand je la voyais. J’ai donc enfin décidé d’y jouer, puis à sa suite, Crimson Gem Saga. Je ne sais vraiment pas quoi en penser. Si les jeux sont très jolis, ils ont vraiment des soucis de finition, certains morceaux de l’histoire sont totalement incompréhensibles, et sont vite répétitifs.

Ce qui me ramène aux questionnements précédents: comment suis-je capable de perdre une semaine sur une purge, mais pas de passer trois jours attentionnés sur un jeu que j’aime?

2017: Mise à jour

Il y a bien d’autres jeux que j’ai commencés, pas terminés, tentés,… je pense notamment à Z.H.P. Unlosing Ranger VS Darkdeath Evilman, un jeu totalement fou de Nippon Ichi, qui m’a vite appris que si j’admire la profondeur de leurs systèmes, je reste imperméable à la discipline requise par leurs jeux…

Mais c’est surtout cette année que je passais le cap d’une nouvelle console. Aidé par l’argent, et beaucoup de séjours au Japon, je profitais de l’un de ceux-ci pour acquérir une PlayStation Vita, de couleur Cosmic Red, bien sûr. Dotée d’un second stick analogique, d’un écran plus grand, et d’une rétro-compatibilité PSP¹⁰ (et donc PS1), la console venait juste d’être touchée par l’exploit HENkaku, qui me permettait d’essayer aisément tous les jeux que je voyais dans les magasins de jeux vidéo d’Akihabara.

Et c’est aussi à cette période, donc, que ma PSP va retrouver sa sacoche de transport et ne plus la quitter…

2026: Dire au revoir

Dans quelques mois (je n’ai plus la date exacte, mais je dirais vers août), ma PSP aurait fêté ses 18 ans en ma possession. Elle ne les aura pas atteints.

Cela fait déjà quelques mois que je garde ouverts des tweets mentionnant les gonflements de batterie qui affectent la console (mais pas la mienne!), et je réalise qu’entre mon Mac, ma Switch, ma 3DS, ma PS3, ma PS4, ma PS5, ma PS Vita, et ma PSTV¹¹, je n’ai plus besoin de cette console, et je n’en aurai, bien tristement, plus jamais besoin. Je l’ai donc mise en vente.

Il m’a fallu une petite demi-journée pour me motiver mentalement à accepter la vente sur Vinted, et cet article, qui inaugure la catégorie 🧠 Dans ma tête de ce blog, est un doux remède au petit pincement au coeur qui m’a envahi lorsque je l’ai emballée avec soin pour l’expédier. Mais je ne suis pas inquiet: sa nouvelle propriétaire l’aime déjà beaucoup, et je sens qu’elle saura en prendre soin.

Pour appuyer encore plus leur expertise graphique, le studio s’était amusé à donner à chaque personnage ses gimmicks graphiques, appuyant encore plus l’aspect “alien” que chaque univers parallèle pouvait avoir pour les autres protagonistes². Donc, Spider-Cochon était un toon, Peni était fluo comme un animé japonais, et Spider-Noir était…en noir et blanc.

C’était une vraie réussite, à tous les niveaux, si bien que même si la série de films Spider-Verse est désormais coincée dans l’enfer du développement, le Spider-Noir a eu un tel succès qu’une adaptation live a été validée, avec dans le rôle principal, son doubleur dans la version animée: Nicolas Cage.

Les Araignées, c’est mon problème

Dès la première minute, je suis allé demander à mon LLM favori ce que Nicolas Cage foutait là. Oui, car il doublait déjà le personnage dans le film animé. Mais vraiment: comment un personnage aussi secondaire et improbable avait-il pu obtenir un acteur aussi célèbre pour l’incarner? Bien sûr, car il est un fan inconditionnel de films d’époque, d’Humphrey Bogart, de comic books³,… Mais non, vraiment, POURQUOI lui?

La réponse m’a surpris, mais elle a tout de suite fait sens pour moi: pour incarner proprement ce personnage, il fallait être capable de l’incarner sérieusement mais avec la touche nécessaire de parodie pour que le public l’accepte sans que son sérieux ne le rende insupportable à suivre.

Dans Spider-Verse, Spider-Noir était le straight man, portait une arme à feu,… et pourtant à aucun moment le sérieux de son monde n’a clashé avec le monde animé dans lequel il évoluait…

L’Araignée sonne toujours deux fois

Même si le comic book original n’employait pas ce gimmick⁴, l’utilisation du Noir et Blanc pour coller aux films d’époque est restée collée à l’image du personnage et même si quelques films récents ont publié des “versions N&B”⁵, il a été décidé dès la genèse de ce projet qu’il serait tourné en noir et blanc, faisant de la version couleur la version “adaptée”.

Je n’ai pas perdu de temps à regarder la version couleur, tant la version en noir et blanc est magnifique. Comme l'a souligné l'ami (parasocial) Durendal, la série reprend les codes et méthodes de l’époque pour donner un résultat aussi crédible techniquement qu’artistiquement. Je ne vais pas dire chaque scène est un tableau, mais nous y sommes presque. L’identité visuelle très forte est aussi un grand plaisir, tant trop d’oeuvres récentes paraissent copiées-collées sans le moindre effort visuel.

Ascenseur pour l’Araignée

Pour l’histoire, je suis un peu plus mitigé. Elle est très claire et ne s’embourbe pas dans des références comic-book qui pourraient perdre le spectateur⁶, mais je la trouve bien trop centrée sur le personnage de Ben Reilly/The Spider et ses origines, alors que je me serais attendu à un mystère plus “Noir”. Bien sûr, la série n’en manque pas, commençant par une sombre affaire de chantage, sur fond de prohibition, et même une femme fatale qui chante dans un cabaret…

Ça n’empêche pas l’intrigue d’être prenante, d’avoir son lot de mystères et de questions, de filatures et de traîtres,… Mais je ne m’attendais pas au détour “scientifique” de la série. Ce qui est paradoxal, car je l’ai adoré!

Araignée sur la mort

Pour un épisode, la série change totalement de registre, revenant sur les origines des pouvoirs de notre Spider et reprenant cette fois les codes des films d’horreur de l’époque, comme si l’on était dans La Mouche noire. C’est magnifique, et la production n’hésite pas à user de nouveaux gimmicks: ellipses plongeantes, vertiges, dimensions absurdes,… Impossible de parler de cette série sans mentionner la réussite de cet épisode dont je pense qu’il n’a pas marqué que moi!

L’Araignée Maltaise

Dans tout ce déluge artistique, les personnages servent l’intrigue et le décor sans jamais voler la vedette, ni non plus s’effacer. Ainsi, Janet, la secrétaire fidèle, n’est pas un faire-valoir incapable, elle est respectée en tant que personnage, mais la série n’embarrasse pas le spectateur avec une intrigue sur sa vie qui n’aurait pas sa place dans la série.

Il en va de même pour Robbie, l’ami fidèle, journaliste noir qui cherche à se faire une place au Daily Bugle. La série lui permet d’évoluer grâce à son talent de journaliste, mais utilise d’habiles détails pour rappeler au spectateur que le racisme est encore important à cette époque, employant le show don’t tell plutôt que de perdre dix minutes dans une scène sur-explicative qui aurait dénaturé le propos global de la série.

La femme fatale est parfaite, bien évidemment. Je n’aurais jamais pensé à faire incarner Felicia "Cat" Hardy par une actrice asiatique⁷, et de manière ironique, il a fallu que je regarde sa page Wikipedia pour l’apprendre, car à l’écran, elle a cette beauté de porcelaine qu’ont toutes les “poupées” des films d’époque.

Le grand Araignée

Et pour couronner ce magnifique gâteau, il y a notre acteur vedette. Impossible de mettre assez de qualificatifs sur la qualité de son jeu, qui est toujours juste, avec exactement le bon niveau de cabotinage, le mélange parfait de force et de lassitude de la vie, la détermination de l’habitué qui garde sa morgue alors qu’il sait qu’il va se faire tabasser par des gorilles.

Chaque plan où il apparaît renforce l’évidence de ce choix de casting, et ne donne qu’une envie: en voir encore plus de lui dans ce rôle.

J’ai souvent pensé: “J’aimerais être Keanu Reeves, mais je ne suis que Nicolas Cage”. Désormais, je n’aspire plus qu’à arriver à la cheville de Nicolas Cage.

Entre tradition et modernité

Même si ma découverte de la série ne s’est faite qu’à travers le diptyque Les Trois Formules du professeur Satō, dont seul le second album m’était disponible, j’ai vite pu découvrir tous les autres albums de la série. Mais en soi, il correspond totalement aux niveaux de récit de la série: de l’intrigue, de l’aventure, de la science-fiction, et du fantastique.

Après la mort de Jacobs², la série est reprise par plusieurs auteurs, qui vont tous donner dans les mêmes thèmes: du voyage temporel, de la menace extraterrestre, des personnages historiques et mythologiques,… Ce n’est pas mauvais, mais par moments, la verbosité de certains albums me paraît extrême comparée à ce que faisait Jacobs.

Lignes claires animées

À la manière de beaucoup d’albums de la série, les épisodes sont des diptyques…même ceux qui n’adaptent qu’un seul album. Contrairement à ce que l’on pourrait attendre, ce n’est pas problématique³, et les épisodes sont correctement adaptés aussi bien pour être raccourcis que rallongés.

Car oui, il s’agit bien d’une adaptation. Que j’ai trouvée plutôt fidèle d’après mes souvenirs de la bande dessinée. Il y a des ajouts assez étranges, comme un personnage genderbent dans L'Énigme de l'Atlantide qui devient une femme pour donner un love interest à Mortimer, tandis que ce dernier a désormais une cousine qui servira de love interest à Blake dans L'Affaire du collier. Certaines intrigues seront aussi raccourcies, comme Les Trois Formules du professeur Satō où les trois formules éponymes sont simplifiées en un seul MacGuffin. On notera aussi que Blake est totalement réintégré à l’intrigue dans Le Piège diabolique, ce qui n’est pas totalement déconnant. Toutefois, même si l’adaptation se veut un produit plus grand public, et simplifié, elle n’en devient pas édulcorée. Ainsi, à ma grande surprise, alors que je pensais que L'Affaire Francis Blake allait éviter de montrer la mort d’un personnage en le retirant de l’intrigue, il n’en est rien et celui-ci est bien abattu de manière aussi peu cérémonieuse que dans l’album original.

Aux dix-huit épisodes adaptés des douze⁴ s’ajoutent quatre aventures inédites pour arriver aux 26 épisodes requis pour une double saison. Même s’ils ont tendance à plus lorgner sur le fantastique que sur le scientifique, ils restent étrangement précurseurs du ton qu’aura la série originale plus tard, introduisant ainsi une invasion extraterrestre avec seize ans d'avance, une aventure sur les traces d’un personnage historique avec dix-neuf ans d'avance,…

À la manière de la série animée Tintin avec qui elle partage un studio de production, cette adaptation animée des plus british des héros franco-belges est un très bon outil pour revivre ces aventures.

Le gros problème, c’est que cet épisode est très court, et qu’en dehors d’une suite sortie en 2008, le personnage Wario est désormais dédié à la série WarioWare.

Heureusement, les moddeurs sont là pour combler nos crises de manque.

Les mille vies de Wario

Si le gameplay de Mario est connu et n’a pas beaucoup changé depuis Super Mario Bros. en 1985, Wario s’est vite démarqué avec un gameplay bien plus basé sur l’exploration et les puzzles. Car là où cette victime de Mario meurt au moindre contact avec un ennemi, Wario est (presque) immortel, et les attaques ennemies le transformeront de diverses manières qui lui octroieront des capacités nécessaires pour avancer. Un mur inflammable? Il suffira que Wario soit couvert de flammes pour le briser. Un trou dans un mur? Il suffira de laisser Wario se faire aplatir comme une crêpe.

Toutes les transformations sont hilarantes et se révèlent utiles aussi bien en tant que techniques de déplacement que pour résoudre les énigmes qui dissimulent tous les éléments à collectionner de chaque niveau. Comme dans l’original, il faudra donc trouver une clé en quatre morceaux pour accéder au boss de la section, un CD de musique, une clé pour accéder au prochain niveau, et des diamants cachés en nombre variable selon le niveau.

La difficulté de chaque puzzle est assez bien dosée: les clés principales sont généralement sur le chemin, tandis que le CD de musique et les diamants ont des cachettes parfois très déviantes.

Vieux pots et meilleurs soupes

Pour ce romhack, on retrouve les concepts initiaux, mais remixés, avec certains passages directement pompés à d’autres jeux Wario¹. Je ne suis pas assez connaisseur de la série pour différencier les “inspirations” et la “nouveauté”, donc tout m’a paru nouveau, et j’ai pris beaucoup de plaisir dans les seize niveaux de ce jeu, même si, mod oblige, seuls les niveaux sont modifiés, et pas la structure du jeu lui-même.

Ainsi, on retrouve le même découpage: un niveau d’entrée, quatre zones à quatre niveaux et un boss, un dernier niveau et un boss final. Apparemment, le modding n’est pas assez avancé pour proposer des boss différents, et ceux-ci sont donc identiques aux originaux.

Pas de difficulté abusée, et un très bon plaisir d’exploration. C’est comme un jeu Mario, mais avec des puzzles. Que demander de plus?

Ghost Film

Ce film ne raconte rien d’intéressant, n’apporte rien à l’histoire de Jack Ryan, ne propose rien d’agréable à voir, pas même un bon money shot ou une baston bien filmée.

Je m’en veux d’écrire si peu², mais il n’y a pas matière à développer: rien, du vide. Quel gâchis.

Quelle surprise donc, qu’en 2026, une troisième saison vienne clôturer l’adaptation télé du roman De bons présages co-écrit par Gaiman avec Terry Pratchett.

Anges et démons

À peu de choses près, on pourrait se croire dans un roman de Marc Levy: il y a la terre, le ciel, et l’enfer, les deux derniers étant régis comme la pire des bureaucraties¹, et au milieu de tout ça, un ange et un démon qui apprécient leur vie sur terre, et dont nous suivrons l’histoire amoureuse.

La première saison adaptait totalement le roman original, et c’était très sympa: ces heterosexual life-partners, amis depuis des milliers d’années, et présentés comme un vieux couple, se trouvaient soudainement le dernier rempart contre l’Apocalypse, causée par l’arrivée de l’Antéchrist. De ma connaissance des auteurs, j’ai envie de croire que l’hilarité du propos vient de Pratchett², tandis que la patte mystique revient à Gaiman. C’est un mix très équilibré, pour ne jamais contredire l’intérêt du récit, ni donner l’impression que l’intrigue serait “facile”.

Et en plus, l’acting est au top: David Tennant y incarne Rampa, le démon, tandis que Michael Sheen, que je connaissais moins bien, est Aziraphale, l’ange. L’alchimie est indéniable entre les deux, qui expriment avec brio l’étrange mélange d’admiration et d’exaspération qu’ils ressentent l’un envers l’autre.

Much omens about nothing

Un seul épisode en guise de troisième saison, donc. Je ne savais même pas qu’il y avait une seconde saison, et j’ai donc enchaîné les deux. Ce que je ne savais pas non plus, c’est que le roman original n’avait jamais eu de suite, et que ces deux saisons se basaient donc sur des idées élaborées par les auteurs dans le projet d’une suite qui n’a jamais vu le jour, et qu’en plus, Gaiman ayant été écarté du projet, l’influence des idées des auteurs s’était vite diluée…

Donc, la seconde saison traite brièvement de deux histoires d’amour qui se déroulent en parallèle à celle de nos héros. C’est sympathique, mais très farfelu, avec encore certaines séquences dont j’ignore totalement l’apport à l’intrigue. C’est aussi très cheap. J’ai l’impression que toute la série se déroule dans le huis clos de la librairie d’Aziraphale, et au final, même si les trois histoires ont toutes des conclusions différentes, ça m’ennuie. Le mystique semble être mis en retrait pour laisser la place à une histoire d’amour, comme si les shippers avaient gagné et que ces personnages devaient forcément finir par s’embrasser.

La saison 3 fait l’inverse: le mystique reprend sa place, l’humour disparaît totalement, et on revient à l’histoire d’amour principale comme épine dorsale de l’intrigue et… ça ne colle pas pour moi. À la manière de Rincevent dans les annales du Disque-monde, les héros avaient un côté “membre insignifiant de cet univers” qui faisait d’eux les personnes les moins adaptées pour sauver l’univers, et rendait leur placement en plein milieu de l’intrigue aussi jouissif que le chaos d’un chien dans un jeu de quilles. Pour moi, leur donner trop d’importance dans l’intrigue globale dessert le propos.

Clairement, l’absence de Pratchett, puis de Gaiman, n’a pas aidé la série. Certains y trouveront peut-être la dose de shipping dont ils ont besoin, mais pour moi, c’est le gâchis d’une histoire qui se suffisait à elle-même.

Maquillé comme un vampire volé

À chaque fois que les parents passent devant un fast-food, les enfants demandent un hamburger. Ce à quoi les parents répondent “On a des hamburgers à la maison”, pour un résultat qui sera souvent varié. Ce concept existe aussi dans les jeux vidéo: s’il n’existe pas de Castlevania sur Master System, alors SEGA n’a qu’à développer le sien¹ pour contenter les joueurs.

On se retrouve donc avec un clone très propre. Sérieusement, on croirait un skin de l’original: la lenteur des déplacements, les sauts, la perfidie des ennemis, les sous-armes,… C’est à peine si quelques concepts changent, comme l’utilisation de munitions propres à chacune des sous-armes là où la série originale utilise un système de points de magie², ou le remplacement du fouet par des armes de poing qui peuvent être plus ou moins puissantes et avoir plus ou moins d’allonge (couteau, rapière, ou hache).

Le seul vrai point fort du jeu est son environnement: point de chateau ici, nous sommes plongés au coeur de Londres à l’époque victorienne. Même si les décors sont rudimentaires (ce qui n’est pas étonnant vu l’époque), cela reste très appréciable. Les boss suivent aussi cette tendance: même s’ils restent ancrés dans le surnaturel, on sent moins l’empreinte du fantastique. Vous affronterez donc Jack l'Éventreur, une jeune fille possédée par un esprit dans une maison de cire, avant d’aller vous occuper de Dracula. Point de loup-garou, de succubes, et pas d’affrontement avec la Mort.

Pour quelques heures, si vous acceptez les déplacements raides de l’époque, ce jeu sera une vision intéressante du concept original.

L’annonce d’une suite n’a donc surpris personne, et le titre a suscité beaucoup de joie auprès des fans de la princesse Harmonie.

Pied sur le champignon

À peu de choses près, on pouvait décomposer le film original en quatre gros money shots: l’entrainement de Mario qui reprenait les mécaniques des jeux vidéo, la scène d’action badass de Peach, le caméo de Donkey Kong qui venait faire du kart, et Jack Black qui en fait des caisses en Bowser. Autant quand c’est Jim Carrey ça colle, autant là… ça ne m’a pas vraiment marqué plus que ça, tant je trouve que l’acteur a perdu de sa superbe.

Pour cette suite, on retrouve à peu près les mêmes money shots, un peu améliorés: Mario et Luigi ont une série de quêtes de protection du royaume qui reprennent les mécaniques des jeux vidéo, Peach a encore une scène pour briller avec une baston dans plusieurs gravités, on a un caméo de Fox McCloud qui vient piloter son vaisseau spatial, et on a toujours Jack Black qui cabotine avec son fils Bowser Jr..

Avez-vous entendu parler de l’initiative Smash Bros?

Au-delà de ça, le film ne me donne pas l’impression de raconter grand-chose. La seule grosse nouveauté donc, c’est la présence d’Harmonie, qui rejoint le lore de la série d’une manière apparemment inattendue pour les fans. Je ne suis pas assez attaché au personnage pour que ça me touche. Pareil pour la présence de Fox, que certains ont déplorée car le personnage n’est pas directement lié à la franchise Mario, mais en soi, la question se posait de la même manière pour Donkey Kong dans le précédent film², donc je suis passé outre.

Reste donc toute la quête de Bowser et Bowser Jr., que j’ai vraiment trouvée molle et peu intéressante, alors qu’elle ne manque pas d’enjeux, ni d’ambitions.

Un bon moment donc, que le fan appréciera sûrement beaucoup plus, mais vite oubliable pour les autres.